sábado, 17 de octubre de 2015

Frédéric Chopin - Nocturnes (Mp3)

Frédéric Chopin nació en la aldea de Żelazowa Wola, en el voivodato de Mazovia, a 60 kilómetros de Varsovia en el centro de Polonia.

«Frédéric Chopin (1810-1849) fue un compositor y virtuoso pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente, por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores, con las de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms o Franz Liszt.»

En junio de 1832 se mudó a la calle Cité Bergère 4. Su prestigio comenzaba a extenderse no sólo en París sino en toda Europa. Firmó un contrato para la publicación de su música con Schlesinger, la casa editora más importante de Francia.


     «El compositor polaco Fryderyk Chopin escribió a lo largo de su corta vida hasta veintiún nocturnos para piano. Entre ellos se encuentran algunas de sus piezas más conocidas. No se publicaron todos reunidos en un mismo conjunto de piezas, sino que pertenecen a varios números distintos de opus y algunos incluso fueron editados póstumamente. Los tres primeros nocturnos se encuadran en el Op. 9; los tres siguientes, en el Op. 15; en el siguiente, el Op. 27, hay sólo dos, igual que en los Op. 32, Op. 37, Op. 48, Op. 55 y Op. 62. Además, hay un nocturno en el opus póstumo 72 y hay otros dos nocturnos sin ningún número, uno en do sostenido menor y el otro en do menor.

     En total, Chopin tardó en componer todos sus nocturnos un tiempo de unos quince años. Entre ellos no suman más de dos horas de música (se queda alrededor de una hora y tres cuartos), aunque eso depende mucho de la interpretación que se les dé. Por tanto, tienen una duración media de algo más de cinco minutos.»

En el invierno de 1835 se sintió tan mal, que creyó que se moría; de hecho, en ese momento, escribió el primer borrador de su testamento, estaba tan afligido, que incluso llegó a pensar en suicidarse.


     «La carrera de Chopin (desde 1831 en París hasta 1849) se desarrolla durante el Romanticismo, en su segundo periodo conocido como "Romanticismo pleno". Además de él, en Europa brillaban en aquellos años compositores como Berlioz, Paganini, Schumann, Mendelssohn, Meyerbeer y destacaban las primeras óperas de Verdi y Wagner.

     Muchos rasgos de la vida de Chopin son símbolos del Romanticismo: su aire de misterio, su doloroso exilio, su inspiración atormentada, su refinamiento, incluso su temprana muerte por la tisis son temas románticos típicos. Sin embargo, es preciso notar que las biografías novelescas (también algunas películas) y las interpretaciones exageradas han terminado por falsificar la imagen del músico y su genio. De Candé ha dicho que "el mito con que se ha hecho víctima a su genio es el más tenaz y más nefasto de la historia de la música".»

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martes, 4 de agosto de 2015

Antonio Vivaldi - L'Estro Armonico (Mp3)

«Durante su vida Vivaldi fue muy popular en varios países como Francia e Inglaterra pero después durante el Clasicismo y el Romanticismo fue ignorado su trabajo.»

«Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741) más conocido como Antonio Vivaldi, fue un compositor y músico italiano del barroco. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.

La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas -según dicen algunos- por la figura paterna.»

«Era apodado Il prete rosso ("El cura rojo") por ser sacerdote católico y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del concierto soli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el concierto soli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.

«Cada uno de los conciertos de L'Estro Armonico consta de al menos tres movimientos »

«L’Estro Armonico op. 3 (‘Inspiración armónica’) es una colección de doce conciertos escritos por Antonio Vivaldi en 1711. Estos conciertos aumentaron en gran parte la reputación de Vivaldi como Il Prete Rosso (‘el sacerdote rojo’). Los doce conciertos fueron agrupados en orden cronológico.

Más adelante Johann Sebastian Bach hizo transcripciones de algunos de estos conciertos. Para órgano el no.8 (BWV.593), y el no.11 (BWV.596); para clavecín el no.3 (BWV.978), el no.9 (BWV.972) y el no.12 (BWV.976); y para cuatro clavecines y cuerdas el no.10 (BWV.1065).»

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domingo, 19 de julio de 2015

Maurice Ravel - Bolero (Mp3)



«Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875-París, 28 de diciembre de 1937) fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le Robert).



Influencias
«Nacido en un tiempo bastante propicio a la aparición de las artes, Ravel se benefició de influencias muy diversas. Mas, como lo destaca Vladimir Jankélévitch en su biografía, "ninguna influencia puede jactarse de haberlo conquistado totalmente (…). Ravel se sigue manteniendo imperceptible envidiosamente detrás de todas esas máscaras que le dieron los esnobismos del siglo."

«Por ello, la música de Ravel parece, como la de Debussy, profundamente original, o incluso inmediatamente inclasificable de acuerdo a la estética tradicional. Ni absolutamente modernista ni simplemente impresionista (tal como lo hiciera Debussy, Ravel negaba categóricamente este calificativo que consideraba sólo reservado a la pintura), se inscribe mucho más en la línea del clasicismo francés iniciado en el siglo XVIII por Couperin y Rameau y del cual fue su última prolongación. Por ejemplo, Ravel (al contrario que su contemporáneo Stravinski) no deseó nunca renunciar a la música tonal y sólo utilizó con parsimonia la disonancia, lo que no le impidió por sus investigaciones hallar nuevas soluciones a los problemas planteados por la armonía y la orquestación, y dar a la escritura pianística nuevos caminos.

«La bailarina y mecenas rusa Ida Rubinstein (1885–1960) era una amiga íntima de Ravel. Ella fue la inspiración y destinataria del Bolero. Retrato de Valentín Serov.»


Bolero
«Bolero (en francés Boléro) es una obra musical creada por el compositor francés Maurice Ravel en 1928 y estrenada en la Ópera Garnier de París el 28 de noviembre de ese mismo año. Bolero compuesto y dedicado a la bailarina Ida Rubinstein, su inmediato éxito y rápida difusión universal lo convirtieron no solamente en una de las más famosas obras del compositor, sino también en uno de los exponentes de la música del siglo XX.

«Movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva —un ostinato— en do mayor, repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a mi mayor y una coda estruendosa.

«Pese a que Ravel dijo que consideraba la obra como un simple estudio de orquestación, el Boléro esconde una gran originalidad, y en su versión de concierto ha llegado a ser una de las obras musicales más interpretadas en todo el mundo, al punto de que hasta el año 1993 permanecía en el primer lugar de la clasificación mundial de derechos de la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SACEM).



Bilder einer ausstellung
«"Cuadros de una exposición" (en ruso: Карти́нки с вы́ставки, Kartinki s vystavki) es una famosa suite de 15 piezas, compuesta por Modest Músorgski (1839-1881) en 1874. Músorgski escribió la obra para piano, pero probablemente es más conocida en la forma de la orquestación y arreglo que de ella hizo el compositor francés Maurice Ravel (1875-1937).

«Músorgski compuso esta obra, originalmente llamada Suite Hartmann, inspirado por la exposición póstuma de diez pinturas y escritos de su gran amigo, el artista y arquitecto Víktor Hartmann (1834-1873), quien solo tenía 39 años cuando murió. A manera de homenaje, el compositor quiso 'dibujar en música', algunos de los cuadros expuestos.

«Es una obra maestra, del tipo de música romántica conocida como música de programa o música programática.»

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domingo, 12 de julio de 2015

Carl Orff - Carmina Burana (Mp3)


«Carmina Burana es una cantata escénica del siglo XX compuesta por Carl Orff entre 1935 y 1936, utilizando como texto algunos de los poemas medievales de Carmina Burana. Se estrenó el 8 de junio de 1937 en la Alte Oper de Fráncfort del Meno dirigida por Oskar Wälterlin.

     La versión de Orff constituye, junto a Catulli Carmina y El triunfo de Afrodita, la trilogía Trionfi. Orff subtituló la composición: Cantiones profanæ cantoribus et choris cantandæ comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis (en español: «Canciones laicas para cantantes y coreutas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas»).

Carl Orff por Tony Hauser.


«La obra se compone principalmente de versos en latín, aunque cuenta con fragmentos en alto alemán medio y provenzal antiguo. Su fragmento más conocido es el «O Fortuna», que constituye la primera parte del preludio y que se repite al final de la obra.

   En la cantata, además de la orquesta y coros, intervienen solistas (soprano, tenor, barítono), destacando su abundante y espléndida percusión.

     De la colección completa de los Carmina Burana, Orff escogió veinticinco canciones y las ordenó de modo que pudieran ser representadas en un escenario. En cuanto a la música, se amoldó a la sencillez de los textos. Aproximadamente la mitad de las piezas son canciones cuya melodía se repite en cada estrofa casi sin variantes, limitándose algunas veces a realizar simples escalas mayores o menores.

   El ritmo es el encargado de dar variedad al conjunto, impidiendo así cualquier monotonía. Esta riqueza rítmica es, tal vez, la característica más importante de los Carmina Burana de Orff. Hay en la obra una clara influencia de las obras Las bodas y Edipo rey, de Ígor Stravinski (véase el Diccionario Groove de música).



«Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 - ibídem, 29 de marzo de 1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana y también por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niños (Schulwerk o 'método Orff') que ha tenido notables resultados.»

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domingo, 17 de mayo de 2015

Karajan - Albinoni, Vivaldi, Bach, Pachelbel, Gluck y Mozart (Mp3)


«Herbert von Karajan (Salzburgo, 5 de abril de 1908 – Anif, cerca de Salzburgo; 16 de julio de 1989) fue uno de los más destacados directores de orquesta austriacos del periodo de la posguerra. Dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y cinco años. Realizó más de 900 grabaciones y vendió más de 300 millones de discos en todo el mundo.



«El Adagio de Albinoni o Adagio en sol menor es una obra para orquesta de cuerdas y órgano en sol menor, compuesta en 1945 por el musicólogo italiano Remo Giazotto. Publicado por primera vez en 1958 por la editorial Casa Ricordi, el editor lanzó como argumento de venta que el autor se había basado en unos fragmentos de un movimiento lento de una sonata a trío de Tomaso Albinoni presumiblemente encontrados en las ruinas de la Biblioteca de Dresde tras los bombardeos de la ciudad acaecidos en la Segunda Guerra Mundial, pero nunca se ha encontrado una prueba seria de la existencia de tales fragmentos; por el contrario, la «Staatsbibliothek Dresden» ha desmentido formalmente tenerlas en su colección de partituras.



«El Aria para la cuerda de sol es un arreglo musical hecho por el violinista August Wilhelmj del segundo movimiento (un aria) de la Suite orquestal n.º 3 en re mayor, BWV 1068 de Johann Sebastian Bach. La suite orquestal original fue escrita por Bach para su patrón, el príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen en algún momento entre 1717 y 1723. El subtítulo para la cuerda de sol proviene del arreglo que, a finales del siglo XIX, hizo el violinista August Wilhelmj para la pieza para violín y piano. Transponiendo la tonalidad de la obra del re mayor al do mayor y transfiriendo la melodía una octava abajo, Wilhelmj pudo interpretar la pieza únicamente en una cuerda de su violín, la cuerda de sol. Posteriormente se generó una historia espuria acerca de que la melodía siempre se había planeado únicamente para la cuerda de sol.



«El Canon y Giga en re mayor para tres violines y bajo continuo; en el original alemán: Kanon und Gigue in D-Dur für drei Violinen und Basso Continuo, también conocido simplemente como el Canon, es la obra más conocida del compositor alemán de música barroca Johann Pachelbel. Pachelbel compuso esta obra alrededor de 1680, siendo originalmente una obra de música de cámara para tres violines y bajo continuo; posteriormente se han realizado arreglos para una gran variedad de instrumentos y conjuntos. Originalmente, una giga en la misma tonalidad (re mayor) sigue al canon, pero esta última danza se ejecuta o graba con mucha menos frecuencia. El Canon es muy conocido por la progresión armónica de los instrumentos de cuerda, que lo han convertido en una de las piezas más reutilizadas en la música académica contemporánea y en el Rock.»



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domingo, 3 de mayo de 2015

Gaspar Sanz - Instrucción de Música sobre la Guitarra Española - Libro Tercero (Mp3)


El título original era "Instrucción de Música sobre la guitarra española y Método de sus primeros rudimentos, hasta tañerla con destreza, con dos laberintos ingeniosos, variedad de sones y dances de rasgueado y punteado, al estilo español, italiano, francés e inglés, con un breve tratado para acompañar con perfección sobre la parte muy esencial para la guitarra, arpa y órgano, resumido en doze reglas y exemplos los más principales de contrapunto y composición, dedicado al Serenissimo Señor, el Señor Ivan, compuesto por el Licenciado Gaspar Sanz, aragonés, natural de la Villa de Calanda, Bachiller en Teología por la Insigne Vniversidad de Salamanca".



La obra enseña teoría de la música y técnicas para tocar música; contiene unos 90 arreglos de bailes españoles y melodías italianas. Por lo que respecta al temple de la guitarra Sanz menciona tres sistemas posibles dentro del orden convencional Mi-Si-Sol-Re-La : sin bordones, con bordones y con bordones octavados; en lo referente al rasgueados el lugar de los guarismos posturas mediante el sistema alfabético italiano inventado por Montesardo y tomado por Sanz. Sobre el modo de teñir el punteado, insiste en el fenómeno de las campanelas y al ornamentación, obedeciendo a los modelos italianos; los ornamentos descritos por Sanz son algunos como los trinos, mordentes, temblor (vibrato), extrasino (notas ligasas), apoyamiento (apoyatura inferior) y esmorsata (apoyatura superior).



Es especialmente interesante el apartado que dedica al acompañamiento "documentos y advertencias generales para acompañar sobre la parte con guitarra, arpa y órgano cualquier otro instrumento" construyendo así uno de los manuales españoles conservado dedicado a este tema.

"Tanta variedad de reglas... por su extrañeza de falsas, no alcança más el arte... aquí hallarán muchas novedades y pieças tan extrañas, y de buen gusto"
Diego Járaba, a 19 noviembre 1974

Su obra consta de tres libros: el primero se ocupa de los inicios en la música y el instrumento; el segundo se dedica a todos los principales sones de puntado que se tañían en España; y el tercero hacía lo propio con las diferencias más primorosas de pasacalles que hasta entonces había compuesto su autor. Con esta obra, Gaspar Sanz sentó las bases de la técnica de la guitarra clásica moderna.

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martes, 21 de abril de 2015

Gaspar Sanz - Instrucción de Música sobre la Guitarra Española - Libro Segundo (Mp3)


«La fecha de nacimiento de Gaspar Sanz corresponde con la del Milagro de Calanda (1640), su presunta partida de bautismo data del 4 de abril de este mismo año. La primera vez que se registra el nombre de Gaspar es en 1669, en relación a unas oposiciones a la cátedra de Música de la Universidad de Salamanca. Comenzó estudiando humanidades antes de obtener el grado de bachiller en Teología y haber ocupado la cátedra en Música de esta misma universidad. La cátedra quedó vacante por la jubilación de Juan Berjón de la Real. Junto con otros dos músicos y tras una gran disputa el puesto vacante fue seguramente para Antonio de Castro, ya que según los examinadores Sanz solo aventajaba a su oponente en materia teórica pero carecía nociones de composición, pero cinco años más tarde, y como anécdota, en 1674, el guitarrista publicó su primera edición de su libro "Instrucción de la música sobre guitarra española".



«Sabemos que Gaspar Sanz paso un largo tiempo en Roma y Nápoles donde habría recibido lecciones de Orazio Benevoli, Pedro Ciano y Lelio Colista, pero las únicas noticias de este viaje solo se encuentran en su libro, así como en las dedicatorias o en prólogos. Durante su viaje pudo tener coincidencias en las academias con algunos de sus maestros comoCristóbal Carisani, organista de la Real Capilla de Nápoles y de Júlio Colista. Se sabe que el viaje a Italia fue posterior al fracaso de la oposición salamantina. En Italia también pudo haber mantenido relación con algunas figuras que le sirvieron para entrar en contacto con el mundo de la ópera veneciana, así como Ziani y tal vez Filippo Coppola. En cualquier caso, Sanz se muestra como uno de los principales puentes entre dos tradiciones musicales: la española y la italiana. Si tal vez el mismo fue vehículo de influencia su propio testimonio da a entender que en Zaragoza en las fechas en las que publicó por primera vez su tratado, existía una cierta práctica de música extranjera, particularmente de "sonadas cromáticas de violines que vienen de Italia" a la que no debía de ser ajena en la Zaragoza de Juan de Austria, que influyo considerablemente en la contratación de músicos para su propia cámara, tanto para iglesias zaragozanas como para la Capilla Real, demostrando una clara preferencia por lo italiano.



«Se desconocen más datos precisos de la vida de Sanz desde su estancia en Zaragoza en 1674-75. Dedicó parte de su tiempo a la actividad literaria y seguramente, por los datos de la publicaciones no musicales que realizó, se le puede ubicar en Madrid entre 1678 y 1682, fecha en la que sale a la luz una edición póstuma de la tradición que Francico de la Torre y Sevil, noble poeta y dramaturgo, hizo de los epigramas de Jhon Owen, donde aparece un epigrama fúnebre de Gaspar Sanz dedicó al difunto en el que se declaraba presbítero.

«Escribió dos libros dedicados a dedicados al nuncio Mellini, publicados en Madrid en 1668-1681 en todas estas obras muestra una erudición considerable así como un estilo cercano a la literatura emblemática. Las últimas ediciones de la Instrucción de música salieron a la luz en Zaragoza en 1697. No hay motivos para pensar que Sanz viviese en es ciudad en aquellos años pero si parece que no había muerto. Finalmente, según Latassa, el músico murió en Madrid en 1710.»

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domingo, 12 de abril de 2015

Gaspar Sanz - Instrucción de Música sobre la Guitarra Española - Libro Primero (Mp3)


«Gaspar Sanz (Calanda, Teruel, 4 de abril de 1640 - Madrid, 1710), de nombre real Francisco Bartolomé Sanz Celma, fue un compositor, guitarrista y organista del Barroco español. Estudió música, teología y filosofía en la Universidad de Salamanca, donde más tarde fue nombrado profesor de música. Escribió tres libros de pedagogía y obras para guitarra barroca que forman una parte importante del actual de repertorio de guitarra clásica según los mejores músicos sobre las técnicas de la guitarra.



En 1674, publicó su primera obra importante para guitarra barroca, la Instrucción de música sobre la guitarra española y métodos de sus primeros rudimentos hasta tañerla con destreza, que ampliaría más tarde dos veces. En total hubo siete ediciones, todas en los talleres de impresión de los Herederos de Diego Dormer, de Zaragoza. Las cinco primeras ediciones fueron dedicadas a don Juan José de Austria, del que era instructor musical. Así pues la obra de Sanz está compuesta en su integridad ya en 1674, pero, en virtud posiblemente de una estrategia comercial o de comprobación del mercado se fue publicando poco a poco.



A petición del guitarrista Andrés Segovia, Joaquín Rodrigo compuso en 1954 su Fantasía para un gentilhombre para guitarra y orquesta sobre temas de la Instrucción de música sobre la guitarra española. La selección de obras del calandino se conoce como la Suite Española, por adoptar la forma de suite.

El guitarrista y catedrático Regino Sainz de la Maza, difusor de la obra de Sanz, publicó sus Danzas Cervantinas (transcripción para la guitarra moderna de seis cuerdas de cuatro piezas de la Instrucción: Folías, Españoletas, Marizapalos, Canarios).

Asimismo, hay que mencionar la influencia de Sanz en Manuel de Falla, quien lo citaría en su obra El retablo de Maese Pedro, compuesta en 1923.

En la década de 1980, se funda en Calanda la Asociación Musical "Gaspar Sanz" en honor al músico.
En 1988, Eduardo López Banzo funda el conjunto instrumental Al Ayre Español: el nombre de esta prestigiosa formación (Premio Nacional de Música 2004) lo inspira el título de una Fuga para guitarra de Gaspar Sanz.

En 1962, Manuel Grandio, junto a otros miebros de la desaparecida "Orquesta Ibérica", funda la "Orquesta Gaspar Sanz", compuesta por instrumentos de españoles de pulso y pua.»


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lunes, 6 de abril de 2015

Rostropovich: Beethoven - Triple Concerto, Variations (Mp3)




«Mstislav Leopóldovich Rostropóvich (1927 - 2007) fue un músico azerbaiyano, considerado el máximo violonchelista de su generación.

Nació en Bakú, República Socialista Soviética de Azerbaiyán (actualmente Azerbaiyán) en una familia de músicos. Estudió en el Conservatorio de Moscú, desde los dieciséis años. Llegó a ser alumno de Dmitri Shostakovich y Serguéi Prokofiev, antes de graduarse con las máximas distinciones académicas. Posteriormente trabajaría como profesor en el mismo Conservatorio, desde 1961. En 1948 ya había sido solista de la Orquesta Filarmónica de Moscú. A partir de 1950 había actuado como violonchelista y como director.

Había dado asimismo recitales de piano acompañando a su mujer, la soprano Galina Vishnévskaya. Tras un tiempo en Moscú, fue nombrado profesor en el Conservatorio de Leningrado.

Había encargado o estrenado obras para violonchelo de los principales compositores contemporáneos, como la Sinfonía concertante en mi menor, opus 125 (1952) de Serguéi Prokófiev, los dos conciertos para violonchelo (1959, 1966) de Dmitri Shostakóvich y la Cello Symphony (1963), la Sonata para violonchelo y piano (1961) y las Suites para violonchelo (1964, 1967, 1971) de Benjamin Britten.



En 1951 recibió el Premio Stalin y después el Premio Lenin, máximo galardón soviético, en 1963. Sin embargo defendió de forma pública al escritor Alexander Solzhenitsyn en una carta enviada al diario Pravda en 1970. En 1974 Rostropóvich y su esposa abandonaron la Unión Soviética al haber sido privado de la posibilidad de dar conciertos y trabajar y, en 1978, se les retiró la nacionalidad soviética. Emigraron a Estados Unidos y en 1977 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C. que dirigió durante 17 años. En 1990 fue invitado a actuar con esta orquesta en la Unión Soviética por Mijaíl Gorbachov, ocasión en la que les fue devuelta la nacionalidad soviética a él y a Galina Vishnevskaya. No obstante mantuvo toda su vida los pasaportes de Mónaco y Suiza que eran con los que habitualmente viajaba.

Con el intento de golpe de Estado en la Unión Soviética contra el presidente Gorbachov en agosto de 1991, Rostropóvich fue un activo defensor del proceso de cambio oponiéndose a los golpistas y mostrando su apoyo explícito al mismo Gorbachov y a Borís Yeltsin. Previamente, en 1989, ya había mostrado su pleno apoyo al proceso de reformas en los países del Este de Europa al tocar el violonchelo frente al Muro de Berlín. El 11 de noviembre de 1989, dos días después de la apertura del Muro, interpretaba delante de sus ruinas -la gente todavía lo estaba demoliendo- la suite número 2 para violonchelo de Johann Sebastian Bach.



En el año 1995 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música. En 1997 le fue concedido junto a Yehudi Menuhin el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia. En 2002 recibió la Condecoración Konex otorgada por la Fundación Konex de Argentina. 

En 2004 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.

Era amigo de la Reina Sofía, desde que ella era tan sólo una niña.

El 27 de abril de 2007 falleció en un hospital de Moscú a los 80 años de edad a causa de un cáncer intestinal.»

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domingo, 29 de marzo de 2015

Michael Praetorius - Christmette (Mp3)


«Michael Praetorius (Creuzburg, Turingia, 15 de febrero de 1571 - 15 de febrero de 1621) fue un compositor y organista alemán. Fue uno de los más versátiles compositores de su época e influyó en el desarrollo de formas basadas en himnos protestantes.

Michael Praetorius nació en Creuzburg (Turingia) en el seno de una estricta familia luterana, lo que determinó todo el curso de su carrera musical. Su padre había sido alumno de Martín Lutero y le había asistido en la confección del Himnario Luterano original.»



«Estudió en Torgau, Fráncfort del Oder y luego en Zerbst (Anhalt).

Fue organista en la Marienkirche antes de trabajar en la corte de Wolfenbüttel como organista, y desde 1604 tuvo el cargo de Maestro de capilla. De 1613 a 1616 trabajó en la corte sajona en Dresde, donde fue influido por los músicos italianos, incluyendo el estilo policoral de la Escuela de Venecia.

Su posterior desarrollo de la forma del concierto coral, particularmente la variedad policoral, resultó directamente de su familiaridad con los músicos de Venecia, como Giovanni Gabrieli.»


«Fue un compositor muy prolífico. Sus trabajos muestran la influencia de compositores contemporáneos, como Samuel Scheidt y Heinrich Schütz, así como de los italianos ya mencionados.

Por ese entonces Praetorius se hizo famoso como un experto en la construcción de órganos y como director, organista y compositor. Tenía la reputación de ser una persona con un acabado conocimiento de todo lo relacionado con la música.

Praetorius es conocido hoy en día por su obra Terpsícore, una colección de más de 300 danzas y melodías francesas que él arregló.

Su tratado en tres volúmenes "Syntagma Musicum" (1614-1620) es un texto muy detallado sobre la práctica musical de la época, incluyendo los instrumentos musicales utilizados.»

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sábado, 28 de marzo de 2015

J. S. Bach - Suites BWV 1066,1067, 1068, 1069 (Mp3)


Texto del librillo

Español

«El género de la suite experimentó en los siglos XVII y XVIII varias metamorfosis distintas entre sí en los diferentes países europeos. El modelo formal de las suites para orquesta de Bach fue la obertura a la francesa divulgada por Jean-Baptiste Lully cuyo movimiento inicial daba su nombre a la obra completa. Ésta principia por una obertura tripartita cuyas partes primera y última contienen ritmos punteados lentos y graves mientras que la intermedia es rápida y en muchos casos fugada. Los movimientos subsiguientes son de naturaleza muy variada, pero su duración es notoriamente inferior a la de la obertura.

El hecho de que a mediados del siglo XVIII la obertura a la francesa fuese todavía un modelo claro y preferido por los compositores, más aún en Alemania, figura en las definiciones de importantes manuales de música. Johann Joachim Quantz, por ejemplo, escribía a 1752 a propósito de la obertura: »un comienzo magnífico y grave, un movimiento principal brillante y bien elaborado con una acertada combinación instrumental.« Y Johann Adolf Scheibe, en 1745, atribuye a la obertura una »noble vivacidad, un carácter serio, viril y magnificente, en suma, un fuego inextinguible».

Las cuatro suites para orquesta de Johann Sebastian Bach entrañan hasta ahora una serie de enigmas. Por ejemplo ¿dónde entró en contacto la primera vez con el género de la obertura a la francesa? – ¿Sería a través de la orquesta afrancesada de la corte del duque Georg Wilhelm, de Celle, que el joven Bach escuchó quizás en sus tiempos de niño cantor en la Escuela de San Miguel de Lüneburg (1700-1702) cuando aquélla estuvo de visita por esta ciudad? – ¿Es posible que Bach conociera músicos franceses en la Academia de Equitación del Convento de San Miguel o en el Palacio de Lüneburg que le iniciaron en los secretos de la citada obertura? – ¿Serían tales franceses músicos de la orquesta de Celle? – Pero aun si estas preguntas tuviesen respuesta inequívoca, ésta no ofrecería ningún asidero para averiguar la posible fecha de aparición de las suites para orquesta, la misma que se suele situar bastante después de los comienzos del siglo XVIII, pero sin seguridad definitiva al respecto. Los musicólogos se inclinan por los períodos que Bach pasó en Cöthen (1717-1723) o en Leipzig (a partir de 1723), pues sólo allí debió disponer de un conjunto instrumental adecuado para ejecutar las suites para orquesta, ya sea la orquesta de 18 músicos de la corte de Leopoldo de Anhalt-Köthen o el Collegium musicum de Leipzig, fundado por Telemann y cuya dirección ejerció Bach por varios años a partir de 1729 como fecha más tardía. Las fuentes documentales de esas suites que han llegado a nuestros días hasta ahora no permiten localizar con certeza su fecha de creación, aunque sí permiten reconocer que el compositor (como en el caso de otras obras orquestales) trabajó en algunas de esas piezas durante largo tiempo a juzgar por las diferentes versiones confirmadas o probables...»



Deutsch

«Die Gattung der Suite hat im 17. und 18. Jahrhundert mehrere Metamorphosen durchgemacht, die in den einzelnen europäischen Ländern unterschiedlich ausfielen. Für Bachs Orchestersuiten bildete die von Jean-Baptiste Lully ausgehende französische Ouvertüre – der überdimensionierte Eröffnungssatz stellte zugleich die Bezeichnung für das Gesamtwerk – das formale Vorbild. Danach steht am Beginn eine dreiteilige Ouvertüre mit langsamen, gravitätisch schreitenden und von punktierten Rhythmen geprägten Rahmenteilen und einem schnellen, oft fugierten Mittelteil. Die folgenden Sätze weisen eine große Variabilität auf, sind jedoch in jedem Fall deutlich kürzer als die Ouvertüre.

Daß die französische Ouvertüre noch um die Mitte des 18. Jahrhunderts gerade auch in Deutschland ein klares, beliebtes Modell für die Komponisten bildete, schlägt sich in den Definitionen wichtiger musikalischer Lehrwerke nieder. Johann Joachim Quantz beispielsweise schreibt 1752 über die Ouvertüre: «ein prächtiger und gravitätischer Anfang, ein brillanter, wohl ausgearbeiteter Hauptsatz und eine gute Vermischung verschiedener Instrumente». Und Johann Adolf Scheibe rühmt 1745 an der Ouvertüre eine «edle Lebhaftigkeit, ein ernsthaftes männliches und prächtiges Wesen und überhaupt ein beständiges Feuer».

Mit den vier überlieferten Orchestersuiten Johann Sebastian Bachs verbindet sich noch immer eine ganze Reihe offener Fragen. Wo beispielsweise ist der Komponist mit der Gattung der Französischen Ouvertüre zum ersten Mal in Berührung gekommen? War es die nach französischem Vorbild disponierte Hofkapelle unter Herzog Georg Wilhelm in Celle, die der junge Bach in seiner Zeit als Chorknabe der Lüneburger Michaelisschule (1700/02) gehört haben könnte (und zwar wohl eher bei einem Gastspiel in Lüneburg als in Celle selbst)? Begegnete Bach in der Ritterakademie des Michaelisklosters oder im Stadtschloß Lüneburg französischen Musikern, die ihn vielleicht mit der Französischen Ouvertüre vertraut machten? – Waren dies möglicherweise jene Celler Kapellmitglieder? Doch selbst wenn sich diese Fragen sicher beantworten ließen, ergäben sich daraus noch keine neuen Anhaltspunkte für die mögliche Entstehungszeit der Orchestersuiten, die zwar wesentlich später zu vermuten ist, jedoch ebenfalls nicht sicher bestimmt werden kann. In Frage kommen insbesondere die Köthener (1717/23) oder die Leipziger Jahre Bachs (ab 1723), denn nur hier dürfte ihm ein für die Orchestersuiten geeigneter Aufführungsapparat zur Verfügung gestanden haben – sei es die anfangs aus 18 Mitgliedern bestehende Hofkapelle am Hofe Leopolds von Anhalt-Köthen oder das auf eine Gründung Telemanns zurückgehende Collegium musicum in Leipzig, dessen Leitung Bach spätestens ab 1729 für mehrere Jahre innehatte. Die überlieferten Quellen der Orchestersuiten ermöglichen bislang keine sichere Datierung. Allerdings lassen sie erkennen, daß sich der Komponist (wie auch im Falle anderer Orchesterwerke) teilweise über längere Zeiträume mit den Werken beschäftigt haben mußte, so daß auch unterschiedliche Fassungen nachgewiesen oder zumindest wahrscheinlich gemacht werden können.»



English

«In the course of the 17th and 18th centuries, the genre of the suite underwent several metamorphoses which, however, were not the same in all countries of Europe. For his Orchestral Suites, Bach took the French overture of Jean-Baptiste Lully – in which the prodigious opening movement provides the title for the entire suite – as his formal model. Following this model, the suite begins with an overture in three parts consisting of a brisk, often fugal middle section framed by slow sections with a solemn gait and dotted rhythms. The subsequent movements can be quite varied, although they are without exception shorter than the overture.

We know that composers in mid-18th-century Germany were also fond of taking the clear-cut French overture as their model by the definitions found in important works of musical instruction written at the time. Johann Joachim Quantz, for example, wrote of the overture in the year 1752: «a majestic and solemn beginning, a brilliant, well-devised main  ovement and a good mixture of various instruments«. And in 1745 Johann Adolf Scheibe praised the overture for its «noble vivacity, earnest, manly and majestic nature, and unrelenting ardor».

There are still a number of unanswered questions concerning the four orchestral suites that have been handed down to us from the pen of Johann Sebastian Bach. For instance, where did the composer first encounter the French overture? – Was it in the court orchestra of Duke Georg Wilhelm in Celle, which was organized in the French manner and which Bach could possibly have heard while a choir boy at the School of St. Michael in Lüneburg (more probably during a guest appearance of the orchestra in Lüneburg, rather than in Celle itself )? – Did Bach make the acquaintance of French musicians in the Ritterakademie of St. Michael’s Monastery, or in Lüneburg Castle who may perhaps have introduced him to the French overture? – Were they perhaps members of the orchestra in Celle? – But even if we were to find satisfactory answers to these questions, we would yet have no new clues as to when these orchestral suites were written. Although we can assume that this was much later, we are still unable to date them exactly. Bach’s stays in Cöthen (1717-23) or Leipzig (from 1723 on) could well come into consideration, since here he would have had at his disposal a musical ensemble capable of performing the Orchestral Suites – the orchestra at the court of Leopold of Anhalt- Cöthen, which originally consisted of eighteen members, or the Collegium Musicum founded by Telemann in Leipzig, which Bach conducted for several years beginning in 1729, at the latest. It has also proved impossible to give an exact date to the sources of the Orchestral Suites which have come down to us. However, they do suggest that the composer (as in the case of other of his orchestral works) must have been devoting part of his attention to these works for long periods of time, since there is evidence, or at least a strong probability, that he wrote a number of different versions...»



Français

«Le genre de la suite est passé au cours des 17e et 18e siècles par plusieurs métamorphoses qui donnèrent des résultats différents dans les divers pays d’Europe. Le modèle formel des suites pour orchestre de Bach fut l’ouverture française venant de Jean-Baptiste Lully – le mouvement d’introduction surdimensionné donnait son nom à toute l’oeuvre. Ainsi, elles débutent par une ouverture en trois parties, avec une partie centrale rapide et souvent fuguée encadrée par deux parties lentes, au développement digne et aux rythmes pointés. Les mouvements suivants sont de caractère très variable, mais ils sont toujours nettement plus courts que l’ouverture.

Vers le milieu du 18e siècle, l’ouverture française était encore un modèle clair apprécié des compositeurs, justement en Allemagne, comme le montrent les définitions proposées par les ouvrages didactiques importants sur la musique. Johann Joachim Quantz, par exemple, décrit ainsi l’ouverture en 1752: «un début superbe et digne, un mouvement principal brillant et bien travaillé et un bon mélange d’instruments différents«. Et Johann Adolf Scheibe loue en 1745 à propos de l’ouverture «sa noble vivacité, son caractère gravement masculin et superbe et, de façon générale, son feu constant».

Les quatre suites pour orchestre de Jean-Sébastien Bach qui nous sont parvenues posent une série de questions restées jusqu’à aujourd’hui sans réponse. Par exemple, où le compositeur a-t-il découvert le genre de l’ouverture française? – Fut-ce grâce à la chapelle de la cour du duc Georg Wilhelm de Celle, organisée selon le modèle français, que le jeune Bach pourrait avoir entendue alors qu’il était enfant de choeur à l’école Saint Michel de Lüneburg, entre 1700 et 1702 (et ceci plutôt à l’occasion d’un concert donné à Lüneburg qu’à Celle même)? – Bach rencontra- t-il à l’Académie des chevaliers du cloître Saint Michel ou au château de la ville de Lüneburg des musiciens français qui le familiarisèrent avec l’ouverture française? – S’agissait-il peut-être des membres de cette chapelle de Celle? – De toute façon, même si nous pouvions répondre avec certitude à ces questions, nous ne pourrions pas en déduire de nouveaux points de repère indiquant la date de création possible des suites pour orchestre, qu’il faut supposer certes beaucoup plus tardive, mais qui ne peut pas être déterminée avec certitude non plus. Les années qui semblent le mieux convenir sont celles de Cöthen (1717 à 1723) ou celles de Leipzig (à partir de 1723), car ce sont les seuls postes où il disposa probablement des moyens nécessaires à l’exécution de ces pièces – soit la chapelle de la cour de Leopold d’Anhalt- Cöthen, composée au début de 18 membres, soit le Collegium musicum de Leipzig, fondé par Telemann et dont Bach eut la direction pendant plusieurs années à partir de 1729 au plus tard. Les sources conservées des suites pour orchestre n’en permettent pas jusqu’à présent une datation sûre. Elles montrent toutefois (comme pour d’autres oeuvres pour orchestre) que le compositeur avait dû s’occuper des pièces pendant de longues périodes, si bien qu’il est possible de prouver l’existence de différentes versions ou du moins de les rendre vraisemblables...»

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domingo, 22 de marzo de 2015

Mozart - Música masónica (Mp3)



«La francmasonería o masonería se define a sí misma como una institución discreta de carácter iniciático, no religiosa, filantrópica, simbólica y filosófica fundada en un sentimiento de fraternidad. Afirma tener como objetivo la búsqueda de la verdad y el fomento del desarrollo social y moral del ser humano, además del progreso social. Los masones se organizan en estructuras de base denominadas logias, que a su vez pueden estar agrupadas en una organización de ámbito superior normalmente denominada «Gran Logia», «Gran Oriente» o «Gran Priorato».»



«Wolfgang Amadeus Mozart fue francmasón durante los siete últimos años de su vida. La orden masónica jugó un papel importante en su vida y obra.

Mozart fue admitido con grado de aprendiz en la logia masónica de Viena llamada Zur Wohltätigkeit (‘beneficencia’) el 14 de diciembre de 1784. Fue promovido al grado de compañero masón el 7 de enero de 1785 y se convirtió en maestro masón «en un corto espacio de tiempo».1 Para el 22 de abril de 1784, Mozart figura ya como maestro masón en los archivos de la logia. Mozart también asistió a las reuniones de otra logia, llamada Zur wahren Eintracht (‘concordia verdadera’). Ambas logias practicaban el rito Zinnendorf. Según Otto Erich Deutsch, esta logia era «la mayor y más aristocrática de Viena... Mozart, como el mejor de los “hermanos” músicos, fue bienvenido en todas las logias». Fue apadrinado por el naturalista Ignaz von Born.»



«La posición de Mozart dentro del movimiento masónico, según Maynard Solomon, tendía al racionalismo, inspirada en la Ilustración, como oposición a aquellos miembros orientados a través del misticismo y el ocultismo. Esta facción racionalista es identificada por Katherine Thomson como los Illuminati, un grupo de inspiración masónica que fue fundado por el profesor bávaro de derecho canónico Adam Weishaupt, quien también fue amigo de Mozart. Los Illuminati apoyaron la inspiración en la Ilustración, con la visión humanista dada por los filósofos franceses Jean-Jacques Rousseau y Denis Diderot. Por ejemplo, los Illuminati afirmaban que la clase social no coincidía con la nobleza del espíritu pero que las personas de las clases más bajas podían ser de espíritu noble tal como alguien de nacido dentro de la nobleza podía ser cobarde. Este punto de vista aparece en las óperas de Mozart; por ejemplo, en Las bodas de Fígaro, una ópera basada en la obra de Pierre Beaumarchais (otro masón), Fígaro es una persona de clase baja que es un héroe y el conde Almaviva es el villano.

Los francmasones usaron la música en sus ceremonias y adoptaron la visión humanista de Rousseau en el significado de la música. «El propósito de la música en las ceremonias [masónicas] es de extender los buenos pensamientos y la unidad entre los miembros» de modo que puedan «unirse en la idea de la inocencia y la felicidad», escrito por L. F. Lenz en una edición contemporánea de canciones masónicas. La música debía «inocular sentimientos de humanidad, sabiduría y paciencia, virtud y honestidad, lealtad a los amigos y finalmente un entendimiento de la libertad».»

Pintura que representa el interior de lo que se piensa que es la casa de campo de Nueva Esperanza Coronada (Zur Neugekrönten Hoffnung) en Viena. Se cree que Wolfgang Amadeus Mozart está representado en el extremo derecho, con ropa negra y espadín, sentado al lado de su amigo Emanuel Schikaneder (con ropa roja). Pintura al óleo, de 1782.


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domingo, 15 de marzo de 2015

Bach - Variaciones de Goldberg por Evgeni Koroliov (mp3)


Deutsch

Bachs Goldberg-Variationen sind ein Auftragswerk, eine Gelegenheitskomposition. Der Auftrag war klein, das Werk geriet zum bedeutendsten Variationszyklus in der Musik vor 1800. Davor sind die Goldberg-Variationen an musikalischer Substanz, äußerem Umfang und innerer Vielfalt nur mit zwei Zyklen vergleichbar: Bachs eigenem Wohltemperirten Clavier I (1722) und dem Wohltemperirten Clavier II (1744), wenngleich diese einem völlig anderen Ordnungsund Kompositionsprinzip – der Kombination aus jeweils 24 Präludien und Fugen durch alle 24 Dur- und Moll-Tonarten – folgen. Erstmals nach 1800 kommen den Goldberg-Variationen die Diabelli-Variationen C-Dur op. 120 von Ludwig van Beethoven nahe. Allerdings liegt jenen 33 Veränderungen über einen Walzer ein Thema von Diabelli zugrunde, während die Goldberg-Variationen Bachs eben nicht auf ein Thema von Goldberg zurückgehen. Auch ist ihre Benennung als Goldberg-Variationen ein eher »landläufiges Gewohnheitsetikett« (Rolf Dammann), um dem sperrigen Original-Titel aus dem Weg zu gehen.

Evegni Koroliov wurde 1949 in Moskau geboren. Ersten Klavierunterricht hatte er bei Anna Artobolewskaya an der Zentralen Musikschule. Zu dieser Zeit erteilten ihm auch Heinrich Neuhaus und Maria Judina gelegentlich kostenlos Unterricht. Später studierte er am Staatlichen schaikowsky-Konservatorium in Moskau bei Lew Oborin und, nach dessen Tod, bei Lew Naumow. Nach Beendigung seines Studiums wurde Koroliov eingeladen, am Tschaikowsky Konservatorium zu unterrichten. 1976 übersiedelte er zu seiner Frau nach Jugoslawien. 1978 wurde er als Professor an die Hochschule für Musik nach Hamburg berufen.



English

Bach’s Goldberg Variations are contract work, a piece of occasion music. This was a small commission, and the work became the most important cycle of variations in the history of music before 1800. The only cycles before that of a comparable musical substance, outward scope and internal variety are Bach’s own Well-tempered Clavier I (1722) and the Well-tempered Clavier II (1744), although the variations are based on completely different structural and composition principles, being a combination of 24 preludes and fugues through all 24 major and minor keys. The first cycle after 1800 that comes close to the Goldberg Variations are the Diabelli Variations in C Major op. 120 by Ludwig van Beethoven. Still, the 33 Variations on a Waltz were derived from a theme by Diabelli, while Bach’s Goldberg Variations were not based on a theme by Goldberg. Also their name Goldberg Variations is rather a »popular label born out of habit« (Rolf Dammann) to evade the lengthy original title.

Evegni Koroliov was born in Moscow in 1949. He took his first piano lessons from Anna Artobolevskaya at the Central Music School. At the same time, he was also receiving occasional instruction, free of charge, from Heinrich Neuhaus and Maria Judina. He later studied under Lev Oborin and, after Oborin’s death, under Lev Naumov at the State Tchaikovsky Conservatory in Moscow. After finishing his course of studies, Koroliov was invited to teach at the Tchaikovsky Conservatory. In 1976, he moved to Yugoslavia to join his wife. In 1978 he was appointed as professor at the Music Academy in Hamburg.



Français

Les Variations Goldberg sont une oeuvre de commande, une composition qui était donc reliée à une occasion spéciale. La commande était de petite ampleur, l’oeuvre devint le cycle de variations le plus important de la musique d’avant 1800. Avant cette date, les Variations Goldberg ne peuvent être comparées au niveau de la substance musicale, de l’ampleur externe et de la diversité interne qu’avec deux cycles : le Clavier bien tempéré I (1722) et le Clavier bien tempéré II (1744) de Bach lui-même, même si ceux-ci se conforment à un principe d’organisation et de composition tout à fait différent – qui est une combinaison de 24 préludes et fugues avec toutes les 24 tonalités majeures et mineures. Ce n’est qu’après 1800 que les Variations Diabelli en ut majeur op. 120 de Ludwig van Beethoven approcheront en valeur les Variations Goldberg. Néanmoins, à la base de ces 33 Modifications sur une valse se trouve un thème de Diabelli alors que les Variations Goldberg de Bach ne renvoie pas à un thème de Goldberg. Le nom de Variations Goldberg qui leur fut attribué, est plutôt une »désignation courante« (Rolf Dammann) qui permet d’éviter de prononcer le titre original plutôt volumineux.

Evegni Koroliov est né à Moscou en 1949. Son premier professeur de piano fut Anna Artobolewskaya à l’Ecole centrale de Musique. A cette époque, Heinrich Neuhaus et Maria Judina lui donnèrent aussi à l’occasion des leçons gratuites. Plus tard, il étudia au Conservatoire national Tschaikowsky de Moscou auprès de Lew Oborin et, après la mort de ce dernier, auprès de Lew Naumow. Une fois ses études terminées, Koroliov fut invité à enseigner au Conservatoire Tschaikowsky. En 1976, il alla s’établir auprès de sa femme en Yougoslavie. En 1978, il fut nommé professeur au Conservatoire de musique de Hambourg.




Español

Las Variaciones Goldberg de Bach son obra por encargo, composición ocasional. El encargo fue de poca monta pero la obra resultó ser el ciclo de variaciones más trascendental de las compuestas antes de 1800. Por su sustancia musical, volumen exterior y diversidad interna, las Variaciones Goldberg son comparables solamente con dos ciclos anteriores a ellas: el Clave bien temperado I (1722) y el Clave bien temperado II (1744), del propio Bach, si bien ambos se ciñen a un principio totalmente distinto de ordenamiento y composición, a saber, la combinación de 24 preludios y fugas en las 24 tonalidades mayores y menores. No es sino a partir de 1800 cuando se publican las Variaciones Diabelli en Do mayor op. 120 de Ludwig van Beethoven, cuya calidad es comparable a la de las Variaciones Goldberg. Por cierto que aquellas 33 Variaciones sobre un vals se basan en un tema de Diabelli, mientras que las Variaciones Goldberg no están inspiradas en un tema de Goldberg. Incluso la denominación de esta última obra es en realidad »un convencionalismo de la época « (Rolf Dammann) para no tener que enunciar el abultado título original.

Evegni Koroliov nació en Moscú en 1949. Sus primeras clases de piano las recibió de Anna Artobolévskaya en la Escuela Central de Música. Por esa misma época Heinrich Neuhaus y Maria Yudina le dieron clases ocasionales gratuitas. Con posterioridad cursó estudios en el Conservatorio Estatal Tchaikovsky de Moscú como alumno de Lev Oborin y, fallecido éste, de Lev Naúmov. Concluida su carrera, Koroliov fue invitado a impartir clases en el citado Conservatorio. En 1976 se trasladó a Yugoslavia, la patria de su esposa. En 1978 fue nombrado catedrático de la Escuela Superior de Música de Hamburgo.




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domingo, 1 de marzo de 2015

Alberto Lizzio - Haydn: Le Matin; Le Midi; Le Soir (Mp3)


«Franz Joseph Haydn, conocido simplemente como Joseph Haydn (1732 – 1809) fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clásico, además de ser conocido como el "padre de la sinfonía" y el "Padre del cuarteto de cuerda" gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata.

Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría. Aislado de otros compositores y tendencias musicales hasta el último tramo de su vida, estuvo, según dijo, "forzado a ser original". En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa.

Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y de Johann Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart, del que incluso se cree que llegó a ser mentor, y fue profesor de Ludwig van Beethoven. La lista completa de las obras del compositor se puede consultar en el catálogo Hoboken, sistema de ordenación creado por Anthony van Hoboken.»



«James Webster afirma sobre Haydn como personaje público lo siguiente:

La vida pública de Haydn ejemplificó el ideal de la Ilustración del honnête homme (hombre honesto): el hombre cuyo buen carácter y éxito mundano se permiten y justifican el uno al otro. Su modestia y probidad fueron conocidas en todos sitios. Estos rasgos no eran requisitos para el éxito como maestro de capilla, empresario y figura pública, pero contribuyeron a una recepción favorable de su música.»



«La Sinfonía n.º 6 en re mayor, Hoboken I/6, del compositor austríaco Joseph Haydn es la primera sinfonía escrita tras haberse incorporado su autor a la corte de la familia Esterhazy. Es la primera de las tres que se caracterizan por contar con partes de gran virtuosismo. Se conoce popularmente como Le matin (La mañana).

La Sinfonía n.º 7 en do mayor, Hoboken I/7, del compositor austríaco Joseph Haydn recibe el sobrenombre de "Le midi" (El mediodía). La sinfonía fue compuesta probablemente en 1761, junto con las otras dos de la trilogía del día, las n.º 6 y 8.

La Sinfonía n.º 8 en sol mayor, Hoboken I/8, del compositor austríaco Joseph Haydn es la tercera sinfonía escrita tras haberse unido a la corte de los Esterházy en 1761, en la transición entre el Barroco y el Clasicismo. Es la tercera de la trilogía de sinfonías, que se llaman Le matin (n.º 6.), Le midi (n.º 7) y Le soir (n.º 8) (La noche).»

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