domingo, 12 de abril de 2015

Gaspar Sanz - Instrucción de Música sobre la Guitarra Española - Libro Primero (Mp3)


«Gaspar Sanz (Calanda, Teruel, 4 de abril de 1640 - Madrid, 1710), de nombre real Francisco Bartolomé Sanz Celma, fue un compositor, guitarrista y organista del Barroco español. Estudió música, teología y filosofía en la Universidad de Salamanca, donde más tarde fue nombrado profesor de música. Escribió tres libros de pedagogía y obras para guitarra barroca que forman una parte importante del actual de repertorio de guitarra clásica según los mejores músicos sobre las técnicas de la guitarra.



En 1674, publicó su primera obra importante para guitarra barroca, la Instrucción de música sobre la guitarra española y métodos de sus primeros rudimentos hasta tañerla con destreza, que ampliaría más tarde dos veces. En total hubo siete ediciones, todas en los talleres de impresión de los Herederos de Diego Dormer, de Zaragoza. Las cinco primeras ediciones fueron dedicadas a don Juan José de Austria, del que era instructor musical. Así pues la obra de Sanz está compuesta en su integridad ya en 1674, pero, en virtud posiblemente de una estrategia comercial o de comprobación del mercado se fue publicando poco a poco.



A petición del guitarrista Andrés Segovia, Joaquín Rodrigo compuso en 1954 su Fantasía para un gentilhombre para guitarra y orquesta sobre temas de la Instrucción de música sobre la guitarra española. La selección de obras del calandino se conoce como la Suite Española, por adoptar la forma de suite.

El guitarrista y catedrático Regino Sainz de la Maza, difusor de la obra de Sanz, publicó sus Danzas Cervantinas (transcripción para la guitarra moderna de seis cuerdas de cuatro piezas de la Instrucción: Folías, Españoletas, Marizapalos, Canarios).

Asimismo, hay que mencionar la influencia de Sanz en Manuel de Falla, quien lo citaría en su obra El retablo de Maese Pedro, compuesta en 1923.

En la década de 1980, se funda en Calanda la Asociación Musical "Gaspar Sanz" en honor al músico.
En 1988, Eduardo López Banzo funda el conjunto instrumental Al Ayre Español: el nombre de esta prestigiosa formación (Premio Nacional de Música 2004) lo inspira el título de una Fuga para guitarra de Gaspar Sanz.

En 1962, Manuel Grandio, junto a otros miebros de la desaparecida "Orquesta Ibérica", funda la "Orquesta Gaspar Sanz", compuesta por instrumentos de españoles de pulso y pua.»


Escuchar



Descargar/Download




lunes, 6 de abril de 2015

Rostropovich: Beethoven - Triple Concerto, Variations (Mp3)




«Mstislav Leopóldovich Rostropóvich (1927 - 2007) fue un músico azerbaiyano, considerado el máximo violonchelista de su generación.

Nació en Bakú, República Socialista Soviética de Azerbaiyán (actualmente Azerbaiyán) en una familia de músicos. Estudió en el Conservatorio de Moscú, desde los dieciséis años. Llegó a ser alumno de Dmitri Shostakovich y Serguéi Prokofiev, antes de graduarse con las máximas distinciones académicas. Posteriormente trabajaría como profesor en el mismo Conservatorio, desde 1961. En 1948 ya había sido solista de la Orquesta Filarmónica de Moscú. A partir de 1950 había actuado como violonchelista y como director.

Había dado asimismo recitales de piano acompañando a su mujer, la soprano Galina Vishnévskaya. Tras un tiempo en Moscú, fue nombrado profesor en el Conservatorio de Leningrado.

Había encargado o estrenado obras para violonchelo de los principales compositores contemporáneos, como la Sinfonía concertante en mi menor, opus 125 (1952) de Serguéi Prokófiev, los dos conciertos para violonchelo (1959, 1966) de Dmitri Shostakóvich y la Cello Symphony (1963), la Sonata para violonchelo y piano (1961) y las Suites para violonchelo (1964, 1967, 1971) de Benjamin Britten.



En 1951 recibió el Premio Stalin y después el Premio Lenin, máximo galardón soviético, en 1963. Sin embargo defendió de forma pública al escritor Alexander Solzhenitsyn en una carta enviada al diario Pravda en 1970. En 1974 Rostropóvich y su esposa abandonaron la Unión Soviética al haber sido privado de la posibilidad de dar conciertos y trabajar y, en 1978, se les retiró la nacionalidad soviética. Emigraron a Estados Unidos y en 1977 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C. que dirigió durante 17 años. En 1990 fue invitado a actuar con esta orquesta en la Unión Soviética por Mijaíl Gorbachov, ocasión en la que les fue devuelta la nacionalidad soviética a él y a Galina Vishnevskaya. No obstante mantuvo toda su vida los pasaportes de Mónaco y Suiza que eran con los que habitualmente viajaba.

Con el intento de golpe de Estado en la Unión Soviética contra el presidente Gorbachov en agosto de 1991, Rostropóvich fue un activo defensor del proceso de cambio oponiéndose a los golpistas y mostrando su apoyo explícito al mismo Gorbachov y a Borís Yeltsin. Previamente, en 1989, ya había mostrado su pleno apoyo al proceso de reformas en los países del Este de Europa al tocar el violonchelo frente al Muro de Berlín. El 11 de noviembre de 1989, dos días después de la apertura del Muro, interpretaba delante de sus ruinas -la gente todavía lo estaba demoliendo- la suite número 2 para violonchelo de Johann Sebastian Bach.



En el año 1995 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música. En 1997 le fue concedido junto a Yehudi Menuhin el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia. En 2002 recibió la Condecoración Konex otorgada por la Fundación Konex de Argentina. 

En 2004 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.

Era amigo de la Reina Sofía, desde que ella era tan sólo una niña.

El 27 de abril de 2007 falleció en un hospital de Moscú a los 80 años de edad a causa de un cáncer intestinal.»

Escuchar



Descargar / Download


domingo, 29 de marzo de 2015

Michael Praetorius - Christmette (Mp3)


«Michael Praetorius (Creuzburg, Turingia, 15 de febrero de 1571 - 15 de febrero de 1621) fue un compositor y organista alemán. Fue uno de los más versátiles compositores de su época e influyó en el desarrollo de formas basadas en himnos protestantes.

Michael Praetorius nació en Creuzburg (Turingia) en el seno de una estricta familia luterana, lo que determinó todo el curso de su carrera musical. Su padre había sido alumno de Martín Lutero y le había asistido en la confección del Himnario Luterano original.»



«Estudió en Torgau, Fráncfort del Oder y luego en Zerbst (Anhalt).

Fue organista en la Marienkirche antes de trabajar en la corte de Wolfenbüttel como organista, y desde 1604 tuvo el cargo de Maestro de capilla. De 1613 a 1616 trabajó en la corte sajona en Dresde, donde fue influido por los músicos italianos, incluyendo el estilo policoral de la Escuela de Venecia.

Su posterior desarrollo de la forma del concierto coral, particularmente la variedad policoral, resultó directamente de su familiaridad con los músicos de Venecia, como Giovanni Gabrieli.»


«Fue un compositor muy prolífico. Sus trabajos muestran la influencia de compositores contemporáneos, como Samuel Scheidt y Heinrich Schütz, así como de los italianos ya mencionados.

Por ese entonces Praetorius se hizo famoso como un experto en la construcción de órganos y como director, organista y compositor. Tenía la reputación de ser una persona con un acabado conocimiento de todo lo relacionado con la música.

Praetorius es conocido hoy en día por su obra Terpsícore, una colección de más de 300 danzas y melodías francesas que él arregló.

Su tratado en tres volúmenes "Syntagma Musicum" (1614-1620) es un texto muy detallado sobre la práctica musical de la época, incluyendo los instrumentos musicales utilizados.»

Escuchar



Descargar/Download


sábado, 28 de marzo de 2015

J. S. Bach - Suites BWV 1066,1067, 1068, 1069 (Mp3)


Texto del librillo

Español

«El género de la suite experimentó en los siglos XVII y XVIII varias metamorfosis distintas entre sí en los diferentes países europeos. El modelo formal de las suites para orquesta de Bach fue la obertura a la francesa divulgada por Jean-Baptiste Lully cuyo movimiento inicial daba su nombre a la obra completa. Ésta principia por una obertura tripartita cuyas partes primera y última contienen ritmos punteados lentos y graves mientras que la intermedia es rápida y en muchos casos fugada. Los movimientos subsiguientes son de naturaleza muy variada, pero su duración es notoriamente inferior a la de la obertura.

El hecho de que a mediados del siglo XVIII la obertura a la francesa fuese todavía un modelo claro y preferido por los compositores, más aún en Alemania, figura en las definiciones de importantes manuales de música. Johann Joachim Quantz, por ejemplo, escribía a 1752 a propósito de la obertura: »un comienzo magnífico y grave, un movimiento principal brillante y bien elaborado con una acertada combinación instrumental.« Y Johann Adolf Scheibe, en 1745, atribuye a la obertura una »noble vivacidad, un carácter serio, viril y magnificente, en suma, un fuego inextinguible».

Las cuatro suites para orquesta de Johann Sebastian Bach entrañan hasta ahora una serie de enigmas. Por ejemplo ¿dónde entró en contacto la primera vez con el género de la obertura a la francesa? – ¿Sería a través de la orquesta afrancesada de la corte del duque Georg Wilhelm, de Celle, que el joven Bach escuchó quizás en sus tiempos de niño cantor en la Escuela de San Miguel de Lüneburg (1700-1702) cuando aquélla estuvo de visita por esta ciudad? – ¿Es posible que Bach conociera músicos franceses en la Academia de Equitación del Convento de San Miguel o en el Palacio de Lüneburg que le iniciaron en los secretos de la citada obertura? – ¿Serían tales franceses músicos de la orquesta de Celle? – Pero aun si estas preguntas tuviesen respuesta inequívoca, ésta no ofrecería ningún asidero para averiguar la posible fecha de aparición de las suites para orquesta, la misma que se suele situar bastante después de los comienzos del siglo XVIII, pero sin seguridad definitiva al respecto. Los musicólogos se inclinan por los períodos que Bach pasó en Cöthen (1717-1723) o en Leipzig (a partir de 1723), pues sólo allí debió disponer de un conjunto instrumental adecuado para ejecutar las suites para orquesta, ya sea la orquesta de 18 músicos de la corte de Leopoldo de Anhalt-Köthen o el Collegium musicum de Leipzig, fundado por Telemann y cuya dirección ejerció Bach por varios años a partir de 1729 como fecha más tardía. Las fuentes documentales de esas suites que han llegado a nuestros días hasta ahora no permiten localizar con certeza su fecha de creación, aunque sí permiten reconocer que el compositor (como en el caso de otras obras orquestales) trabajó en algunas de esas piezas durante largo tiempo a juzgar por las diferentes versiones confirmadas o probables...»



Deutsch

«Die Gattung der Suite hat im 17. und 18. Jahrhundert mehrere Metamorphosen durchgemacht, die in den einzelnen europäischen Ländern unterschiedlich ausfielen. Für Bachs Orchestersuiten bildete die von Jean-Baptiste Lully ausgehende französische Ouvertüre – der überdimensionierte Eröffnungssatz stellte zugleich die Bezeichnung für das Gesamtwerk – das formale Vorbild. Danach steht am Beginn eine dreiteilige Ouvertüre mit langsamen, gravitätisch schreitenden und von punktierten Rhythmen geprägten Rahmenteilen und einem schnellen, oft fugierten Mittelteil. Die folgenden Sätze weisen eine große Variabilität auf, sind jedoch in jedem Fall deutlich kürzer als die Ouvertüre.

Daß die französische Ouvertüre noch um die Mitte des 18. Jahrhunderts gerade auch in Deutschland ein klares, beliebtes Modell für die Komponisten bildete, schlägt sich in den Definitionen wichtiger musikalischer Lehrwerke nieder. Johann Joachim Quantz beispielsweise schreibt 1752 über die Ouvertüre: «ein prächtiger und gravitätischer Anfang, ein brillanter, wohl ausgearbeiteter Hauptsatz und eine gute Vermischung verschiedener Instrumente». Und Johann Adolf Scheibe rühmt 1745 an der Ouvertüre eine «edle Lebhaftigkeit, ein ernsthaftes männliches und prächtiges Wesen und überhaupt ein beständiges Feuer».

Mit den vier überlieferten Orchestersuiten Johann Sebastian Bachs verbindet sich noch immer eine ganze Reihe offener Fragen. Wo beispielsweise ist der Komponist mit der Gattung der Französischen Ouvertüre zum ersten Mal in Berührung gekommen? War es die nach französischem Vorbild disponierte Hofkapelle unter Herzog Georg Wilhelm in Celle, die der junge Bach in seiner Zeit als Chorknabe der Lüneburger Michaelisschule (1700/02) gehört haben könnte (und zwar wohl eher bei einem Gastspiel in Lüneburg als in Celle selbst)? Begegnete Bach in der Ritterakademie des Michaelisklosters oder im Stadtschloß Lüneburg französischen Musikern, die ihn vielleicht mit der Französischen Ouvertüre vertraut machten? – Waren dies möglicherweise jene Celler Kapellmitglieder? Doch selbst wenn sich diese Fragen sicher beantworten ließen, ergäben sich daraus noch keine neuen Anhaltspunkte für die mögliche Entstehungszeit der Orchestersuiten, die zwar wesentlich später zu vermuten ist, jedoch ebenfalls nicht sicher bestimmt werden kann. In Frage kommen insbesondere die Köthener (1717/23) oder die Leipziger Jahre Bachs (ab 1723), denn nur hier dürfte ihm ein für die Orchestersuiten geeigneter Aufführungsapparat zur Verfügung gestanden haben – sei es die anfangs aus 18 Mitgliedern bestehende Hofkapelle am Hofe Leopolds von Anhalt-Köthen oder das auf eine Gründung Telemanns zurückgehende Collegium musicum in Leipzig, dessen Leitung Bach spätestens ab 1729 für mehrere Jahre innehatte. Die überlieferten Quellen der Orchestersuiten ermöglichen bislang keine sichere Datierung. Allerdings lassen sie erkennen, daß sich der Komponist (wie auch im Falle anderer Orchesterwerke) teilweise über längere Zeiträume mit den Werken beschäftigt haben mußte, so daß auch unterschiedliche Fassungen nachgewiesen oder zumindest wahrscheinlich gemacht werden können.»



English

«In the course of the 17th and 18th centuries, the genre of the suite underwent several metamorphoses which, however, were not the same in all countries of Europe. For his Orchestral Suites, Bach took the French overture of Jean-Baptiste Lully – in which the prodigious opening movement provides the title for the entire suite – as his formal model. Following this model, the suite begins with an overture in three parts consisting of a brisk, often fugal middle section framed by slow sections with a solemn gait and dotted rhythms. The subsequent movements can be quite varied, although they are without exception shorter than the overture.

We know that composers in mid-18th-century Germany were also fond of taking the clear-cut French overture as their model by the definitions found in important works of musical instruction written at the time. Johann Joachim Quantz, for example, wrote of the overture in the year 1752: «a majestic and solemn beginning, a brilliant, well-devised main  ovement and a good mixture of various instruments«. And in 1745 Johann Adolf Scheibe praised the overture for its «noble vivacity, earnest, manly and majestic nature, and unrelenting ardor».

There are still a number of unanswered questions concerning the four orchestral suites that have been handed down to us from the pen of Johann Sebastian Bach. For instance, where did the composer first encounter the French overture? – Was it in the court orchestra of Duke Georg Wilhelm in Celle, which was organized in the French manner and which Bach could possibly have heard while a choir boy at the School of St. Michael in Lüneburg (more probably during a guest appearance of the orchestra in Lüneburg, rather than in Celle itself )? – Did Bach make the acquaintance of French musicians in the Ritterakademie of St. Michael’s Monastery, or in Lüneburg Castle who may perhaps have introduced him to the French overture? – Were they perhaps members of the orchestra in Celle? – But even if we were to find satisfactory answers to these questions, we would yet have no new clues as to when these orchestral suites were written. Although we can assume that this was much later, we are still unable to date them exactly. Bach’s stays in Cöthen (1717-23) or Leipzig (from 1723 on) could well come into consideration, since here he would have had at his disposal a musical ensemble capable of performing the Orchestral Suites – the orchestra at the court of Leopold of Anhalt- Cöthen, which originally consisted of eighteen members, or the Collegium Musicum founded by Telemann in Leipzig, which Bach conducted for several years beginning in 1729, at the latest. It has also proved impossible to give an exact date to the sources of the Orchestral Suites which have come down to us. However, they do suggest that the composer (as in the case of other of his orchestral works) must have been devoting part of his attention to these works for long periods of time, since there is evidence, or at least a strong probability, that he wrote a number of different versions...»



Français

«Le genre de la suite est passé au cours des 17e et 18e siècles par plusieurs métamorphoses qui donnèrent des résultats différents dans les divers pays d’Europe. Le modèle formel des suites pour orchestre de Bach fut l’ouverture française venant de Jean-Baptiste Lully – le mouvement d’introduction surdimensionné donnait son nom à toute l’oeuvre. Ainsi, elles débutent par une ouverture en trois parties, avec une partie centrale rapide et souvent fuguée encadrée par deux parties lentes, au développement digne et aux rythmes pointés. Les mouvements suivants sont de caractère très variable, mais ils sont toujours nettement plus courts que l’ouverture.

Vers le milieu du 18e siècle, l’ouverture française était encore un modèle clair apprécié des compositeurs, justement en Allemagne, comme le montrent les définitions proposées par les ouvrages didactiques importants sur la musique. Johann Joachim Quantz, par exemple, décrit ainsi l’ouverture en 1752: «un début superbe et digne, un mouvement principal brillant et bien travaillé et un bon mélange d’instruments différents«. Et Johann Adolf Scheibe loue en 1745 à propos de l’ouverture «sa noble vivacité, son caractère gravement masculin et superbe et, de façon générale, son feu constant».

Les quatre suites pour orchestre de Jean-Sébastien Bach qui nous sont parvenues posent une série de questions restées jusqu’à aujourd’hui sans réponse. Par exemple, où le compositeur a-t-il découvert le genre de l’ouverture française? – Fut-ce grâce à la chapelle de la cour du duc Georg Wilhelm de Celle, organisée selon le modèle français, que le jeune Bach pourrait avoir entendue alors qu’il était enfant de choeur à l’école Saint Michel de Lüneburg, entre 1700 et 1702 (et ceci plutôt à l’occasion d’un concert donné à Lüneburg qu’à Celle même)? – Bach rencontra- t-il à l’Académie des chevaliers du cloître Saint Michel ou au château de la ville de Lüneburg des musiciens français qui le familiarisèrent avec l’ouverture française? – S’agissait-il peut-être des membres de cette chapelle de Celle? – De toute façon, même si nous pouvions répondre avec certitude à ces questions, nous ne pourrions pas en déduire de nouveaux points de repère indiquant la date de création possible des suites pour orchestre, qu’il faut supposer certes beaucoup plus tardive, mais qui ne peut pas être déterminée avec certitude non plus. Les années qui semblent le mieux convenir sont celles de Cöthen (1717 à 1723) ou celles de Leipzig (à partir de 1723), car ce sont les seuls postes où il disposa probablement des moyens nécessaires à l’exécution de ces pièces – soit la chapelle de la cour de Leopold d’Anhalt- Cöthen, composée au début de 18 membres, soit le Collegium musicum de Leipzig, fondé par Telemann et dont Bach eut la direction pendant plusieurs années à partir de 1729 au plus tard. Les sources conservées des suites pour orchestre n’en permettent pas jusqu’à présent une datation sûre. Elles montrent toutefois (comme pour d’autres oeuvres pour orchestre) que le compositeur avait dû s’occuper des pièces pendant de longues périodes, si bien qu’il est possible de prouver l’existence de différentes versions ou du moins de les rendre vraisemblables...»

Escuchar



Descargar/Download



domingo, 22 de marzo de 2015

Mozart - Música masónica (Mp3)



«La francmasonería o masonería se define a sí misma como una institución discreta de carácter iniciático, no religiosa, filantrópica, simbólica y filosófica fundada en un sentimiento de fraternidad. Afirma tener como objetivo la búsqueda de la verdad y el fomento del desarrollo social y moral del ser humano, además del progreso social. Los masones se organizan en estructuras de base denominadas logias, que a su vez pueden estar agrupadas en una organización de ámbito superior normalmente denominada «Gran Logia», «Gran Oriente» o «Gran Priorato».»



«Wolfgang Amadeus Mozart fue francmasón durante los siete últimos años de su vida. La orden masónica jugó un papel importante en su vida y obra.

Mozart fue admitido con grado de aprendiz en la logia masónica de Viena llamada Zur Wohltätigkeit (‘beneficencia’) el 14 de diciembre de 1784. Fue promovido al grado de compañero masón el 7 de enero de 1785 y se convirtió en maestro masón «en un corto espacio de tiempo».1 Para el 22 de abril de 1784, Mozart figura ya como maestro masón en los archivos de la logia. Mozart también asistió a las reuniones de otra logia, llamada Zur wahren Eintracht (‘concordia verdadera’). Ambas logias practicaban el rito Zinnendorf. Según Otto Erich Deutsch, esta logia era «la mayor y más aristocrática de Viena... Mozart, como el mejor de los “hermanos” músicos, fue bienvenido en todas las logias». Fue apadrinado por el naturalista Ignaz von Born.»



«La posición de Mozart dentro del movimiento masónico, según Maynard Solomon, tendía al racionalismo, inspirada en la Ilustración, como oposición a aquellos miembros orientados a través del misticismo y el ocultismo. Esta facción racionalista es identificada por Katherine Thomson como los Illuminati, un grupo de inspiración masónica que fue fundado por el profesor bávaro de derecho canónico Adam Weishaupt, quien también fue amigo de Mozart. Los Illuminati apoyaron la inspiración en la Ilustración, con la visión humanista dada por los filósofos franceses Jean-Jacques Rousseau y Denis Diderot. Por ejemplo, los Illuminati afirmaban que la clase social no coincidía con la nobleza del espíritu pero que las personas de las clases más bajas podían ser de espíritu noble tal como alguien de nacido dentro de la nobleza podía ser cobarde. Este punto de vista aparece en las óperas de Mozart; por ejemplo, en Las bodas de Fígaro, una ópera basada en la obra de Pierre Beaumarchais (otro masón), Fígaro es una persona de clase baja que es un héroe y el conde Almaviva es el villano.

Los francmasones usaron la música en sus ceremonias y adoptaron la visión humanista de Rousseau en el significado de la música. «El propósito de la música en las ceremonias [masónicas] es de extender los buenos pensamientos y la unidad entre los miembros» de modo que puedan «unirse en la idea de la inocencia y la felicidad», escrito por L. F. Lenz en una edición contemporánea de canciones masónicas. La música debía «inocular sentimientos de humanidad, sabiduría y paciencia, virtud y honestidad, lealtad a los amigos y finalmente un entendimiento de la libertad».»

Pintura que representa el interior de lo que se piensa que es la casa de campo de Nueva Esperanza Coronada (Zur Neugekrönten Hoffnung) en Viena. Se cree que Wolfgang Amadeus Mozart está representado en el extremo derecho, con ropa negra y espadín, sentado al lado de su amigo Emanuel Schikaneder (con ropa roja). Pintura al óleo, de 1782.


Escuchar



Descargar / Download



domingo, 15 de marzo de 2015

Bach - Variaciones de Goldberg por Evgeni Koroliov (mp3)


Deutsch

Bachs Goldberg-Variationen sind ein Auftragswerk, eine Gelegenheitskomposition. Der Auftrag war klein, das Werk geriet zum bedeutendsten Variationszyklus in der Musik vor 1800. Davor sind die Goldberg-Variationen an musikalischer Substanz, äußerem Umfang und innerer Vielfalt nur mit zwei Zyklen vergleichbar: Bachs eigenem Wohltemperirten Clavier I (1722) und dem Wohltemperirten Clavier II (1744), wenngleich diese einem völlig anderen Ordnungsund Kompositionsprinzip – der Kombination aus jeweils 24 Präludien und Fugen durch alle 24 Dur- und Moll-Tonarten – folgen. Erstmals nach 1800 kommen den Goldberg-Variationen die Diabelli-Variationen C-Dur op. 120 von Ludwig van Beethoven nahe. Allerdings liegt jenen 33 Veränderungen über einen Walzer ein Thema von Diabelli zugrunde, während die Goldberg-Variationen Bachs eben nicht auf ein Thema von Goldberg zurückgehen. Auch ist ihre Benennung als Goldberg-Variationen ein eher »landläufiges Gewohnheitsetikett« (Rolf Dammann), um dem sperrigen Original-Titel aus dem Weg zu gehen.

Evegni Koroliov wurde 1949 in Moskau geboren. Ersten Klavierunterricht hatte er bei Anna Artobolewskaya an der Zentralen Musikschule. Zu dieser Zeit erteilten ihm auch Heinrich Neuhaus und Maria Judina gelegentlich kostenlos Unterricht. Später studierte er am Staatlichen schaikowsky-Konservatorium in Moskau bei Lew Oborin und, nach dessen Tod, bei Lew Naumow. Nach Beendigung seines Studiums wurde Koroliov eingeladen, am Tschaikowsky Konservatorium zu unterrichten. 1976 übersiedelte er zu seiner Frau nach Jugoslawien. 1978 wurde er als Professor an die Hochschule für Musik nach Hamburg berufen.



English

Bach’s Goldberg Variations are contract work, a piece of occasion music. This was a small commission, and the work became the most important cycle of variations in the history of music before 1800. The only cycles before that of a comparable musical substance, outward scope and internal variety are Bach’s own Well-tempered Clavier I (1722) and the Well-tempered Clavier II (1744), although the variations are based on completely different structural and composition principles, being a combination of 24 preludes and fugues through all 24 major and minor keys. The first cycle after 1800 that comes close to the Goldberg Variations are the Diabelli Variations in C Major op. 120 by Ludwig van Beethoven. Still, the 33 Variations on a Waltz were derived from a theme by Diabelli, while Bach’s Goldberg Variations were not based on a theme by Goldberg. Also their name Goldberg Variations is rather a »popular label born out of habit« (Rolf Dammann) to evade the lengthy original title.

Evegni Koroliov was born in Moscow in 1949. He took his first piano lessons from Anna Artobolevskaya at the Central Music School. At the same time, he was also receiving occasional instruction, free of charge, from Heinrich Neuhaus and Maria Judina. He later studied under Lev Oborin and, after Oborin’s death, under Lev Naumov at the State Tchaikovsky Conservatory in Moscow. After finishing his course of studies, Koroliov was invited to teach at the Tchaikovsky Conservatory. In 1976, he moved to Yugoslavia to join his wife. In 1978 he was appointed as professor at the Music Academy in Hamburg.



Français

Les Variations Goldberg sont une oeuvre de commande, une composition qui était donc reliée à une occasion spéciale. La commande était de petite ampleur, l’oeuvre devint le cycle de variations le plus important de la musique d’avant 1800. Avant cette date, les Variations Goldberg ne peuvent être comparées au niveau de la substance musicale, de l’ampleur externe et de la diversité interne qu’avec deux cycles : le Clavier bien tempéré I (1722) et le Clavier bien tempéré II (1744) de Bach lui-même, même si ceux-ci se conforment à un principe d’organisation et de composition tout à fait différent – qui est une combinaison de 24 préludes et fugues avec toutes les 24 tonalités majeures et mineures. Ce n’est qu’après 1800 que les Variations Diabelli en ut majeur op. 120 de Ludwig van Beethoven approcheront en valeur les Variations Goldberg. Néanmoins, à la base de ces 33 Modifications sur une valse se trouve un thème de Diabelli alors que les Variations Goldberg de Bach ne renvoie pas à un thème de Goldberg. Le nom de Variations Goldberg qui leur fut attribué, est plutôt une »désignation courante« (Rolf Dammann) qui permet d’éviter de prononcer le titre original plutôt volumineux.

Evegni Koroliov est né à Moscou en 1949. Son premier professeur de piano fut Anna Artobolewskaya à l’Ecole centrale de Musique. A cette époque, Heinrich Neuhaus et Maria Judina lui donnèrent aussi à l’occasion des leçons gratuites. Plus tard, il étudia au Conservatoire national Tschaikowsky de Moscou auprès de Lew Oborin et, après la mort de ce dernier, auprès de Lew Naumow. Une fois ses études terminées, Koroliov fut invité à enseigner au Conservatoire Tschaikowsky. En 1976, il alla s’établir auprès de sa femme en Yougoslavie. En 1978, il fut nommé professeur au Conservatoire de musique de Hambourg.




Español

Las Variaciones Goldberg de Bach son obra por encargo, composición ocasional. El encargo fue de poca monta pero la obra resultó ser el ciclo de variaciones más trascendental de las compuestas antes de 1800. Por su sustancia musical, volumen exterior y diversidad interna, las Variaciones Goldberg son comparables solamente con dos ciclos anteriores a ellas: el Clave bien temperado I (1722) y el Clave bien temperado II (1744), del propio Bach, si bien ambos se ciñen a un principio totalmente distinto de ordenamiento y composición, a saber, la combinación de 24 preludios y fugas en las 24 tonalidades mayores y menores. No es sino a partir de 1800 cuando se publican las Variaciones Diabelli en Do mayor op. 120 de Ludwig van Beethoven, cuya calidad es comparable a la de las Variaciones Goldberg. Por cierto que aquellas 33 Variaciones sobre un vals se basan en un tema de Diabelli, mientras que las Variaciones Goldberg no están inspiradas en un tema de Goldberg. Incluso la denominación de esta última obra es en realidad »un convencionalismo de la época « (Rolf Dammann) para no tener que enunciar el abultado título original.

Evegni Koroliov nació en Moscú en 1949. Sus primeras clases de piano las recibió de Anna Artobolévskaya en la Escuela Central de Música. Por esa misma época Heinrich Neuhaus y Maria Yudina le dieron clases ocasionales gratuitas. Con posterioridad cursó estudios en el Conservatorio Estatal Tchaikovsky de Moscú como alumno de Lev Oborin y, fallecido éste, de Lev Naúmov. Concluida su carrera, Koroliov fue invitado a impartir clases en el citado Conservatorio. En 1976 se trasladó a Yugoslavia, la patria de su esposa. En 1978 fue nombrado catedrático de la Escuela Superior de Música de Hamburgo.




Escuchar




Descargar / Download




domingo, 1 de marzo de 2015

Alberto Lizzio - Haydn: Le Matin; Le Midi; Le Soir (Mp3)


«Franz Joseph Haydn, conocido simplemente como Joseph Haydn (1732 – 1809) fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clásico, además de ser conocido como el "padre de la sinfonía" y el "Padre del cuarteto de cuerda" gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata.

Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría. Aislado de otros compositores y tendencias musicales hasta el último tramo de su vida, estuvo, según dijo, "forzado a ser original". En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa.

Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y de Johann Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart, del que incluso se cree que llegó a ser mentor, y fue profesor de Ludwig van Beethoven. La lista completa de las obras del compositor se puede consultar en el catálogo Hoboken, sistema de ordenación creado por Anthony van Hoboken.»



«James Webster afirma sobre Haydn como personaje público lo siguiente:

La vida pública de Haydn ejemplificó el ideal de la Ilustración del honnête homme (hombre honesto): el hombre cuyo buen carácter y éxito mundano se permiten y justifican el uno al otro. Su modestia y probidad fueron conocidas en todos sitios. Estos rasgos no eran requisitos para el éxito como maestro de capilla, empresario y figura pública, pero contribuyeron a una recepción favorable de su música.»



«La Sinfonía n.º 6 en re mayor, Hoboken I/6, del compositor austríaco Joseph Haydn es la primera sinfonía escrita tras haberse incorporado su autor a la corte de la familia Esterhazy. Es la primera de las tres que se caracterizan por contar con partes de gran virtuosismo. Se conoce popularmente como Le matin (La mañana).

La Sinfonía n.º 7 en do mayor, Hoboken I/7, del compositor austríaco Joseph Haydn recibe el sobrenombre de "Le midi" (El mediodía). La sinfonía fue compuesta probablemente en 1761, junto con las otras dos de la trilogía del día, las n.º 6 y 8.

La Sinfonía n.º 8 en sol mayor, Hoboken I/8, del compositor austríaco Joseph Haydn es la tercera sinfonía escrita tras haberse unido a la corte de los Esterházy en 1761, en la transición entre el Barroco y el Clasicismo. Es la tercera de la trilogía de sinfonías, que se llaman Le matin (n.º 6.), Le midi (n.º 7) y Le soir (n.º 8) (La noche).»

Escuchar



Download/Descargar




Visitantes